Copies, Fakes, and Reproductions: Printmaking in the Renaissance

Introduction
 

Artists learn by copying. In the Renaissance, they specifically turned to classical sculpture for inspiration, but they also copied the work of their contemporaries. With the proliferation of print in the early sixteenth century, figures, compositions, and motifs circulated freely across geographic boundaries. German designs would suddenly reappear in Italy, and vice versa. Albrecht Dürer, the great German Renaissance printmaker, inspired generations of artists who attempted to replicate his powerful woodcuts and sensitive engravings. Famous painters such as Raphael and Titian sought out engravers to translate their paintings into black-and-white masterpieces for wider distribution. Through print, iconic designs by Michelangelo Buonarroti and Leonardo da Vinci spread from private spaces into the hands of artists and collectors across Europe. Not all artists, however, wanted their creations reproduced by others and therefore employed strategies such as branding, legal action, and imperial privilege to protect their designs. This exhibition explores the various intentions behind copies, ranging from collaboration between designers and printmakers, to homage and emulation, to deceptive copies and fakes.     

The works in this exhibition also demonstrate the uniquely complex relationship between “original” and “copy” in printmaking. In all the prints presented here, an artist carved a design into a matrix, either a wooden block or metal plate, inked the matrix and printed it onto paper numerous times. Slight alterations in inking, as well as wear over time and intentional changes to the print matrix can result in variations from the “original.” This exhibition invites you to look very closely and consider the visual evidence—what is the same between works, what is different, and why might that be the case?  

Considered among the greatest printmakers of all time, Albrecht Dürer (1471–1528) was also a shrewd and highly successful businessman. Born in Nuremberg, Germany, Dürer not only specialized in woodcut and engraving, but also acquired his own printing press in order to control all the steps of production. His illustrated books were instant best-sellers and all of his prints were highly collectible. Dürer was intensely aware of his brand, developing an iconic monogram made up of his initials, AD, and going to court to defend his work against image piracy by a leading Italian printmaker of the day, Marcantonio Raimondi.   

In addition to the many copyists in Dürer’s lifetime, there were periodic revivals of interest in his work. At the turn of the seventeenth century, members of the Wierix family demonstrated their mastery of engraving by replicating Dürer prints and proudly adding their own monograms, while Hendrick Goltzius displayed his skills of invention by creating new compositions engraved in Dürer’s distinctive style. During the establishment of Germany as a nation in the nineteenth century, Dürer was celebrated and copied by those seeking a distinctively “German” style of art.  

While Raimondi had been sued by Dürer, he was pursued by Raphael, who recognized the advantage of having the skilled engraver replicate his designs. The works in this room demonstrate collaboration between pairs of highly successful painters and their printmakers:  Raphael and Raimondi, Bartholomeus Spranger and Hendrick Goltzius, Titian and Cornelis Cort. Unlike Dürer, artists whose primary mode was painting knew the engravers could not claim sole credit for the works; rather the painters’ fame would increase as knowledge of their compositions spread through print. The clear division of labor is evident in the captions: “Invenit” credits the print’s designer, while “Sculpsit” or “Fecit” credits the engraver and “Excudit” indicates the publisher. “Cum privilego” signals government-granted protection, effectively copyrighting the print by providing legal recourse if the work were counterfeited. 

The process of moving from a preparatory drawing to a print, which may then inspire further printed or drawn copies, is also explored in this room. Intermediate steps in printmaking can also produce variant copies, known as “states.”  These impressions result from changes made to the plate between successive print runs.   

Though both Michelangelo Buonarroti and Leonardo da Vinci are considered quintessential “Renaissance men” because of their prodigious talents in the arts and sciences, neither ever tried printmaking, nor actively collaborated with printmakers. Despite this, prints by other artists after Michelangelo and Leonardo reached a broad audience and publicized works that existed in private or restricted spaces. Often dismissively called “reproductive engravings,” these copies are more than mere facsimiles of the originals, as they necessarily involve artistic choices, adaptations, and interpretation by the printmaker, in addition to the obvious change of medium. Copies can also contribute towards the historical record, by providing valuable evidence of lost or altered works of art. The enduring appeal of iconic Renaissance masterpieces has continuously inspired copies over the last five centuries, and the development of new printing techniques, such as stipple engraving and aquatint, can imbue old works with new life.

Los artistas aprenden copiando. En el Renacimiento, recurrían específicamente a la escultura clásica para inspirarse, pero también copiaban la obra de sus contemporáneos. Con la proliferación del grabado a principios del siglo XVI, las figuras, composiciones y motivos comenzaron a circular libremente atravesando fronteras geográficas. Los diseños alemanes aparecían de pronto en Italia, y viceversa. Alberto Durero, el gran grabador alemán del Renacimiento, inspiró a generaciones de artistas, que intentaron replicar sus potentes xilografías al hilo y sus delicadas xilografías a la testa. Pintores famosos, como Rafael y Tiziano, buscaron grabadores que tradujeran sus pinturas en obras maestras en blanco y negro para lograr una mayor difusión. Por medio del grabado, los emblemáticos diseños de Miguel Ángel Buonarroti y Leonardo da Vinci pasaron de estar en espacios privados a llegar a manos de artistas y coleccionistas de toda Europa. Sin embargo, no todos los artistas querían que sus creaciones fueran reproducidas por otros, por lo que empleaban estrategias como el uso de marcas, medidas legales y privilegios imperiales para proteger sus diseños. Esta exposición explora las diversas intenciones que se esconden detrás de las copias, desde la colaboración entre diseñadores y grabadores, pasando por el homenaje y la emulación, hasta las copias engañosas y las falsificaciones.     

Las obras que componen esta exposición demuestran, además, la complejidad única que caracteriza a la relación entre “original” y “copia” en el mundo del grabado. En todos los grabados presentes aquí, un artista talló un diseño en una matriz, ya sea un bloque de madera o una plancha metálica, la cubrió con tinta y la imprimió sobre papel numerosas veces. Dicho proceso puede incluir ligeras alteraciones en la aplicación de la tinta, así como desgaste causado por el tiempo o cambios intencionales realizados a la matriz, lo que puede resultar en distintas variaciones del “original”. Esta exposición le invita a mirar bien de cerca y a considerar las pruebas visuales: ¿en qué se parecen y en qué se diferencian las obras, y por qué?

Considerado uno de los mejores grabadores de todos los tiempos, Alberto Durero (1471–1528) también fue un astuto hombre de negocios que alcanzó un gran éxito. Nacido en Núremberg, Alemania, Durero no solo se especializó en la xilografía y el grabado, sino que también adquirió su propia imprenta para controlar todos los pasos de la producción. Sus libros ilustrados fueron éxitos de venta instantáneos y todos sus grabados eran dignos de colección. Durero era muy consciente de su marca personal, por lo que llegó a desarrollar un emblemático monograma compuesto por sus iniciales, AD, y a presentarse en la corte para defender su obra contra la piratería de imágenes llevada a cabo por uno de los grabadores más destacados de la Italia de la época, Marcantonio Raimondi.   

Además de los muchos copistas que existieron durante la vida de Durero, su obra fue protagonista de renacimientos de interés periódicos. A principios del siglo XVII, los miembros de la familia Wierix demostraron su maestría en el grabado replicando las obras de Durero y estampándoles con orgullo sus propios monogramas, mientras que Hendrick Goltzius expuso sus habilidades de invención creando nuevas composiciones grabadas en el distintivo estilo de Durero. Durante el establecimiento de Alemania como nación en el siglo XIX, Durero fue celebrado y copiado por aquellos que buscaban encontrar un estilo artístico distintivamente “alemán”.  

 

Si bien Durero denunció a Raimondi, Rafael en cambio se interesó en el trabajo del grabador italiano , pues reconocía la ventaja de contar con un grabador de gran habilidad que replicara sus diseños. Las obras expuestas en esta sala dan parte de la colaboración que existió entre parejas compuestas de pintores de mucho éxito y grabadores: Rafael y Raimondi, Bartholomeus Spranger y Hendrick Goltzius, Tiziano y Cornelis Cort. A diferencia de Durero, los artistas cuyo medio primario de expresión era la pintura sabían que los grabadores no podían atribuirse exclusivamente la autoría de las obras; por el contrario, la fama de los pintores incrementaría con la difusión de sus composiciones a través del grabado. La clara división del trabajo es evidente en las leyendas: “Invenit” da crédito al diseñador del grabado, mientras que “Sculpsit” o “Fecit” se refieren al grabador y “Excudit” indica el nombre del editor. “Cum privilego” señala la protección otorgada por el gobierno, la cual proclamaba efectivamente derechos de autor sobre el grabado al proporcionar un recurso legal en caso de que la obra fuera falsificada. 

En esta sala también se explora el proceso de pasar un dibujo preparatorio a un grabado, que podría luego inspirar un número adicional de copias grabadas o dibujadas. Los pasos intermedios en el proceso del grabado también pueden producir variantes, conocidas como “estados”. Estas copias son el resultado de cambios realizados en la plancha entre tiradas sucesivas.

A pesar de que tanto Miguel Ángel Buonarroti como Leonardo da Vinci son considerados “renacentistas” por antonomasia debido a su prodigioso talento para las artes y las ciencias, ninguno de los dos intentó jamás dominar el arte del grabado ni tampoco colaboró activamente con grabadores. No obstante, los grabados creados por otros artistas, inspirados en Miguel Ángel y Leonardo, tuvieron una gran difusión y dieron a conocer obras que existían en espacios privados o restringidos. Estas copias, a las que con cierto desdén suele denominarse “grabados reproductivos”, son más que meros facsímiles de los originales, ya que implican necesariamente elecciones, adaptaciones e interpretaciones artísticas realizadas por el grabador, además del evidente cambio de medio. Asimismo, las copias pueden contribuir a los registros históricos proporcionando valiosas pruebas sobre obras de arte perdidas o alteradas. El duradero atractivo de las obras maestras más emblemáticas del Renacimiento no ha dejado de inspirar copias a lo largo de los últimos cinco siglos, y el desarrollo de nuevas técnicas de grabado, como el grabado criblé y la aguatinta, pueden darles nueva vida a obras antiguas.