Painted Cloth: Fashion and Ritual in Colonial Latin America
Sunday, August 14, 2022 - Sunday, January 8, 2023
Golden brocades and voluptuous fabrics are a characteristic visual feature of Spanish American art.
Painted Cloth: Fashion and Ritual in Colonial Latin America addresses the social roles of textiles and their visual representations in different media produced in Bolivia, Mexico, Peru, and Venezuela during the 1600s and 1700s. Beyond emphasizing how aesthetic traditions of European and Indigenous origin were woven together during this period, the exhibition showcases the production, use, and meaning of garments as well as the ways they were experienced both in civil and religious settings.
Gallery TextPainted Cloth: Fashion and Ritual in Colonial Latin America addresses the social roles of textiles and their visual representations in different media produced in Bolivia, Mexico, Peru, and Venezuela during the 1600s and 1700s. Beyond emphasizing how aesthetic traditions of European and Indigenous origin were woven together during this period, the exhibition showcases the production, use, and meaning of garments as well as the ways they were experienced both in civil and religious settings.
Introduction
Painted Cloth: Fashion and Ritual in Colonial Latin America explores the production, utilization, and representation of garments and fabrics used in civil and religious settings. During the period the Spanish crown imposed its rule over the region (roughly 1492-1825), the lives of numerous Indigenous communities were forever altered. Despite facing continuous challenges caused by forced labor and the appropriation of their lands and natural resources, many local groups found strategies to avoid complete annihilation by mingling with the European invaders’ culture. Indigenous peoples also interlaced with African and Asian slaves brought by force to the Americas.
The entwined nature of the textile arts provides a vivid metaphor to better understand how Indigenous aesthetic traditions were woven together with those of foreign origin. This exhibition focuses on draperies that facilitatedthe Catholic religious experience and vestments that functioned as key signifiers of social status, gender, and racial identity. Such a framework allows recognizing the many contradictions that characterized the social fabric of this contested historical period. Painted Cloth also celebrates the beauty of the Spanish Americas’ artistic production and the diversity of its creators by considering original domestic and ritual settings, rejoicing in the capacity of the visual arts to reveal the complexities of human nature.
Cloth Making
The rich world of textile arts—embroidery, sewing, spinning, tailoring, weaving, and knitting—begins with natural fibers and pigments, but also includes those who transform such materials into items that clothe human bodies and adorn domestic and ritual spaces. The artworks in this section explore how the textile traditions of the Ancient Americas interlaced with those of foreign origin: local dyes like the vibrant red of the cochineal bug, the velvety black of the logwood
tree, or the deep indigo blue were used on agave fabrics and cottons, llama wools, and silks. The creators of textile arts appear in several Casta paintings, a genre primarily from Mexico, that uniquely represents the mixing of races.
Dressing the Sacred
Curtains, cloaks, and other pieces of clothing are extensively used in Catholicism to decorate sacred artifacts. To this day, sculptural artworks known as imágenes de vestir (dress statues) are attired in luxurious brocades and richly embroidered vestments to enhance their naturalism, making them more visually appealing as subjects of devotion. In the genre known as trampantojo a lo divino (divine trompe l’oeil), also known as verdadero retrato (true portrait), fabrics are depicted in extreme detail to create painted versions of widely popular cult statues. Those images incorporate representations of altars full of devotional paraphernalia, like candle holders and votive offerings, to intensify the sense of visual illusion. Fancy garments have also been used in religious paintings to denote the identity of those individuals acknowledged as holy.
The Holiness of Cloth
Fabric has the potential to become a direct vehicle of the holy, providing a tangible material and concrete visual reference to spiritual concepts that would otherwise be difficult to comprehend. The protection of a cloak in the Catholic tradition, for instance, transforms into an allegory of divine shelter, while a decorated banner becomes a symbol of a temple’s sacred grounds. By this logic, a veil, rather than concealing the human body, reveals its sacrality. On some rare occasions, cloth itself becomes the divine, like in the case of Our Lady of Guadalupe, greatly venerated in Mexico and all across the Americas, painted on a native fabric under what many people consider miraculous circumstances.
Ritual Garments
In the Catholic tradition, interior spaces considered sacred were ornamented with lavish textiles. In the Spanish Americas, the main altar was particularly rich, covered in cotton covers and delicate laces, surrounded by woolen carpets and velvety curtains. Smaller embroidered liturgical cloths were meant to protect an array of ritual objects like chalices and crucifixes. The vestments worn by priests conducting the religious services contributed to a sensuous experience, with motifs embroidered in silver threads that sparkled to the light of candles.
Wearing Social Status
Garments are crucial to show who we are, who we want to be, and how we want to be perceived by others. That is why fashion plays such a relevant visual role in portraiture. Unlike selfies today, in the eighteenth century, painted portraits were affordable mainly to the members of the elite, both of Indigenous and of Spanish descent. These individuals manifested their social value by commissioning portraits that preserved the memory of their loved ones and thus, preserved the history of their family lineage, or to commemorate festive circumstances such as marriage or entry into a convent. Peoples brought by force from Africa to the Americas, as well as those from mix-race background, were also portrayed, but most times not as specific individuals.
Introducción
La fabricacíon de telas
Vestiendo lo sagrado
La sacralidad de la tela
Las telas tienen la capacidad de convertirse en un vehículo directo de lo sagrado, dando una presencia material tangible y una referencia visual concreta a conceptos espirituales que, de otra manera, serían muy difíciles de comprender. La protección que ofrece un manto en la tradición católica, por ejemplo, se transforma en una alegoría de refugio divino, mientras que un estandarte decorado se convierte en el símbolo que marca el espacio sagrado de un templo. Siguiendo esta lógica, un velo, más que ocultar el cuerpo humano, revela su naturaleza sagrada. En raras ocasiones, la tela en sí misma se convierte en divina, como en el caso de Nuestra Señora de Guadalupe, tan venerada en México y en todo el continente americano, pintada sobre
Vestimentas rituales
Indumentaria y prestigio social
Tela pintada: moda y ritual en la América Latina colonial explora la producción, utilización y representación de la indumentaria y los tejidos que se empleaban en espacios civiles y religiosos. Durante el periodo en que la monarquía española impuso su dominio sobre la región (aproximadamente 1492-1825), la vida de numerosas comunidades indígenas se vio alterada para siempre. A pesar de enfrentarse a continuos desafíos causados por el trabajo forzado y la apropiación de sus tierras y sus
recursos naturales, muchos grupos locales encontraron estrategias para evitar la aniquilación total al adoptar algunos elementos de la cultura de los invasores europeos. Los pueblos indígenas también establecieron lazos con los esclavos africanos y asiáticos traídos a la fuerza al continente americano.
La naturaleza entrelazada de las artes textiles proporciona una metáfora vívida para comprender mejor cómo las tradiciones estéticas indígenas se entrecruzaron con las de origen extranjero. Esta exposición se centra tanto en los cortinajes que facilitaban la experiencia religiosa del catolicismo como en la vestimenta que funcionaba como indicador clave del estatus social, el género, y la identidad racial. Este marco marco interpretativo permite reconocer las numerosas contradicciones que caracterizaron el tejido social durante este controvertido periodo histórico. Tela pintada también celebra la belleza de la producción artística de Hispanoamérica y la diversidad de sus creadores tomando en cuenta los contextos rituales y domésticos originales, apreciando la capacidad de las artes visuales para revelar las complejidades de la naturaleza humana.
La fabricacíon de telas
El extenso mundo de las artes textiles (con artes como el bordado, el cosido, el hilado, la sastrería y el tejido con telar o agujas) nace con fibras y pigmentos naturales, pero incluye también aquellas artes que transforman esos materiales en prendas que visten cuerpos humanos y adornan espacios domésticos y rituales. Las obras de arte en esta sección exploran cómo las tradiciones textiles del continente americano antiguo se entrelazaban con las tradiciones foráneas; las tinturas autóctonas como el rojo vibrante de la cochinilla, el negro aterciopelado del palo de campeche o el azul índigo oscuro se usaban en telas y algodones hechos con fibra de agave, en lanas de llama y en sedas. Los artesanos textiles aparecen en numerosas pinturas
de castas, un género característico de México que representa de manera singular el mestizaje de razas.
Vestiendo lo sagrado
Cortinas, mantos y otras prendas de vestir son extensamente usadas en la religión Católica para decorar artefactos sagrados. Brocados lujosos y vestiduras con exquisitos bordados realzan el naturalismo de esculturas conocidas como “imágenes de vestir,” haciéndolas más visualmente atractivas como sujetos de devoción. En el género conocido como “trampantojo a lo divino” o “verdadero retrato,” las telas se representan en gran detalle para crear versiones pintadas de esculturas de culto muy populares. Estas imágenes incorporan representaciones de altares cubiertos de artículos devocionales, como candelabros y ofrendas votivas, para intensificar la sensación de ilusión visual. Ropajes lujosos también aparecen en la pintura religiosa para
denotar la identidad de aquellos individuos reconocidos como santos.
La sacralidad de la tela
Las telas tienen la capacidad de convertirse en un vehículo directo de lo sagrado, dando una presencia material tangible y una referencia visual concreta a conceptos espirituales que, de otra manera, serían muy difíciles de comprender. La protección que ofrece un manto en la tradición católica, por ejemplo, se transforma en una alegoría de refugio divino, mientras que un estandarte decorado se convierte en el símbolo que marca el espacio sagrado de un templo. Siguiendo esta lógica, un velo, más que ocultar el cuerpo humano, revela su naturaleza sagrada. En raras ocasiones, la tela en sí misma se convierte en divina, como en el caso de Nuestra Señora de Guadalupe, tan venerada en México y en todo el continente americano, pintada sobre
una tela autóctona bajo los que muchos consideran circunstancias milagrosas.
Vestimentas rituales
En la tradición católica, los espacios interiores considerados como sagrados se ornamentaban con telas lujosas. En Hispanoamérica, el altar principal era particularmente suntuoso, cubierto de manteles de algodón y encajes delicados, y rodeado de alfombras de lana y cortinajes de terciopelo. Distintos paños litúrgicos bordados de menor tamaño se usaban para proteger objetos rituales como cálices y crucifijos. Las vestimentas que usaban los sacerdotes que oficiaban los servicios religiosos eran parte de una experiencia sensorial compleja, decoradas en bordados de hilos de plata que brillaba a la luz de las velas.
Indumentaria y prestigio social
La vestimenta es crucial para mostrar quiénes somos, quiénes queremos ser y cómo queremos que nos perciban los otros. Es por esto que la moda juega un rol tan relevante en el arte del retrato. A diferencia de los selfies de hoy en día, en el siglo XVIII, los retratos pintados eran un lujo al que sólo podían acceder miembros de la élite, ya fuera de ascendencia indígena o española. Estos individuos manifestaban su valor social encargando retratos que preservaban la memoria de sus seres queridos y, por tanto, mantenían la historia de su linaje familiar, o para conmemorar circunstancias festivas como el matrimonio o el ingreso en un convento. Las personas que fueron traídas por la fuerza desde África al continente americano, así como las de origen mestizo, también fueron retratadas, pero la mayoría de las veces no como individuos específicos.